Incómodo, difícil, amargo¼ son varios de los epítetos que Samuel Beckett llevó con orgullo a lo largo de su vida. El Premio Nobel de 1969, autor de Esperando a Godot, la pieza más influyente de toda la dramaturgia del pasado siglo es, en realidad, un autor incalificable. Su prosa, su poesía, su teatro, han cifrado imágenes que definen el desencanto de la vida humana, y la resistencia con la cual, sin embargo, nos aferramos a algo que creemos es aún la vida. El innombrable, Molloy muere, Acto sin palabras, son páginas de ese libro tenso y duro en el cual el irlandés grabó su firma radical.

Desde que en 1952 Roger Blin estrenara Esperando a Godot, la fama circundó el nombre de este verdadero poeta de la amargura. En Cuba, José Milián y Mónica Guffanti, entre otros directores, se han acercado a sus escritos para la escena. Argos Teatro, bajo la mano de Carlos Celdrán, rinde ahora un sobrio tributo al creador de Final de partida, pieza que añade a su catálogo y que se representa en la sede de este notable colectivo, en Ayestarán y 20 de Mayo. La obra, estrenada por el Royal Court Theater en 1957, fue editada en Cuba a mediados de los 60.

Todos los elementos del mundo de Beckett se refunden de modo magistral en Final de partida. Sus personajes han sobrevivido a una catástrofe que los hace creerse ya solos en el mundo, encerrados en una dependencia donde viven como copias ridículas de la verdadera existencia. Hamm hace de Clov su criado sentimental; los padres de Hamm dormitan entre la basura: son despojos humanos, presos en una retórica imposible. Es una pieza que alguien diría sin conflicto, sin progresión. Pero desde que Beckett y otros renovadores discutieran las bases del drama, afirmar tal cosa es, cuando menos, demostrar ceguera y desconocimiento ante los recursos con los cuales hoy, el teatro, puede apelar a otras formulaciones, a otras texturas de lo dramático para estremecer como verdad. Sobre esa ceguera triunfó Beckett, sin concesiones; admirablemente. Sobre esa ceguera de no pocos retrógrados, sus discípulos, hoy, prueban nuevas formas del teatro.

La puesta de Celdrán sigue con cuidado el texto original: lo sabe vigente, y su reto es cómo recomponerlo ante los ojos del público. Sus actores son máscaras afinadas en ese desencanto, han comprendido el sentido del ritmo y procuran una musicalidad precisa. Pancho García logra proyectarse desde su aparente inmovilidad, como el profesional que es siempre. Waldo Franco, José Luis Hidalgo y Verónica Díaz alcanzan a conmovernos en un paisaje tan árido, con desempeños que abandonan todo tipo de excesos o adorno innecesario. A ello se une la magnífica escenografía de Alain Ortiz, y el apagado colorido que otorga Vladimir Cuenca al vestuario. La banda sonora: fragmentos de una vida exterior moribunda, es una nota de luz tan agradecida como el propio diseño de iluminación concebido por Manolo Garriga. Solo pediría al equipo de actores no perder la fuerza de sus parlamentos, sostener hasta el final una expectativa que debe acompañar cada minuto, para evitar repetición de tonos que generen monotonía. La dignidad de sus entregas me hace saber que pueden rozar la perfección.